Visions Liminaires

– Pigment prints Fine Art, cuts – 2015-2016.

The Visions Liminaires series offers a visual study of the historical echoes phenomena.

Each piece of this series takes the form of a combination of images from a variety of sources, but all depicting key historical moments.
The images consist in circular cutouts of different sizes, superimposed over one another: in the forefront, the cutout in the bigger and paler picture allows smaller and smaller (and darker and darker) pictures to be seen.
Positioned at the bottom of the assemblage, almost illegible, the smallest and darkest picture can be considered as its core, the origin of other events (more easily visible), that would have interacted freely which each other.

Referring to Dante Alighieri’s cosmology in The Divine Comedy, the Visions Liminaires series suggests that the matrix of an historical event should be a relatively innocuous fact which, after having resonated with other elements (possibly anachronistic), would have taken unexpected proportions and orientation.

L’Émanticipation est un quotidien de fiction situé entre 2028 et 2051, entièrement peint à la main sur toile, dont le titre est né de la fusion des termes « Emancipation » et « Anticipation » : une injonction venue du futur à vivre dans le présent.

Cette série joue sur les différentes acceptations du mot « journal », de l’objectivité d’une publication périodique à la subjectivité du journal intime. Au travers de ses articles, parfois uchroniques, apocalyptiques ou « moralistes », confrontant les idées et les formes à la manière d’un vaste collage, elle est un support pour des expériences picturales et littéraires. L’Émanticipation fonctionne ainsi comme une matrice pour d’autres œuvres, telles que les Prétextes, L’Armée des signes, les Forêts...

Le fait de peindre un journal sur toile questionne également le passage du temps, l’attention qu’on lui accorde et ce qu’il nous en reste. En effet, un « vrai » quotidien imprimé ne « dure » qu’un seul jour : dès le lendemain de sa parution, il est dépassé, il devient un rebut. Or la peinture sur toile confère une aura particulière à l’image représentée ; elle induit un travail patient et impliqué, comme si la journée dont ce journal peint relatait les événements avait duré bien plus de 24 heures.

Cet aspect d’étirement ou de cristallisation du temps présent est encore renforcé par l’aspect sculptural des doubles pages de L’Émanticipation lorsqu’elles sont fixées au mur : elles gagnent alors en volume, semblent solidifiées et acquièrent ainsi une dimension sculpturale.

Dans la veine de l’article inaugural de L’Émanticipation qui relatait, à la suite d’un énième échec spatial, l’impression de déréliction, ou sentiment d’avoir perdu la grâce, éprouvée par de certains, de nombreux articles et vignettes (présentés en doubles pages ou en coupures) dépeignent une humanité dépassée par des changements qu’elle ne maîtrise plus, mais qui ne s’est pas encore totalement résolue à s’abandonner à son sort.

L’éclat des lointains se présente comme la mécanique éclatée de la production de l’écho, dont tous les éléments orbitent les uns autour des autres sans jamais pouvoir s’atteindre. Ils n’interagissent que par le biais de leur éclat, c’est-à-dire en se réfléchissant les uns les autres. Ce mobile esquisse un parallèle avec l’exploration spatiale, qui, à mesure qu’elle progresse, est de plus en plus abstraite soit étymologiquement « séparée », car il y a une inadéquation essentielle, presque ontologique, entre l’être humain et ces lointains.

L’équilibre de l’ensemble est créé par une petite perle, qui concentre à elle-seule l’impossibilité du contact et en même temps la beauté de cette impossibilité, puisque c’est paradoxalement en raison de son inadéquation avec son milieu qu’elle a été recouverte de nacre et a atteint sa perfection.

La toile, c’est le rapport à la trame (de l’Histoire), qui suggère une succession de strates. C’est également le support autorisant la mobilité de la peinture, à mi-chemin entre les fresques, qui restaient à demeure, et les tapisseries, qui furent les premières œuvres picturales itinérantes. 

Certains tableaux sont la superposition de plusieurs œuvres dont nous ne pouvions admirer, jusqu’à récemment, que la couche picturale la plus récente, la ou les couche(s) antérieure(s) ayant été recouverte(s). Ceux-là abritent donc des images fantôme, invisibles mais bien présentes. Les nouvelles technologies permettent paradoxalement de dévoiler ces couches antérieures, et autorisent la cohabitation entre différentes temporalités. 

Les Forêts proposent une réflexion sur l’évolution des œuvres d’art dans le temps, dans leur forme et leur réception. Elles représentent l’écrasement, la superposition et la révélation de trois états de toiles fictives : - la première strate (en bleu - «blueprint»), présenterait une toile vue aux rayons x ; - la deuxième strate est constituée d’une tapisserie en « verdure » qui aurait été tissée sur la toile peinte ; - la troisième strate est celle, contemporaine, qui après gommage numérique, révélerait en partie la strate primitive et la ferait cohabiter avec la deuxième strate, créant une tierce image picturale, à mi-chemin entre présence et absence. 

Ainsi le présent est-il figuré par la matérialisation concrète d’une coexistence a priori impossible. 

Comme une bouteille jetée dans les flots du temps.

L’Armée des signes se situe à la frontière de l’art, de l’archéologie, de l’acoustique et du web. Son titre fait référence aux écritures encore aujourd’hui non déchiffrées, dont on ne parvient pas même à déterminer si leurs glyphes ont valeur d’écriture, ou s’ils sont juste des ornements. 

Ce projet explore l’histoire d’une technique qui aurait été développée avant notre ère, serait par la suite tombée dans l’oubli, et que l’on tenterait à nouveau de maîtriser. 

Au Xe siècle, l’historien et savant arabe Al-Masudi évoquait le possible recours à la lévitation acoustique pour expliquer l’édification de certains monuments antiques. Plausible d’un point de vue physique, cette technique n’est maîtrisée aujourd’hui qu’à très petite échelle. Son dernier développement significatif émane des ingénieurs du CNES de Toulouse, qui ont mis au point Télémaque, une pince acoustique permettant de « déplacer, manipuler, étudier des objets ou des liquides sans jamais entrer en contact avec eux », récemment utilisée à bord de l’ISS. 

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Forêt II

– Peinture à l’huile et acrylique sur toile, 89 cm x 116 cm – 2019.

Quand effacer revient à révéler.

Forêt, le « hors de la cité », peut-être même hors du temps ; alors lieu sauvage de l’épreuve, de l’initiation.
Foret, instrument servant à percer.

Des rayons X auraient permis de voir à l’intérieur d’une tapisserie :
avant d’être recouverte de fils, la toile de lin aurait été peinte,
et cette peinture découverte n’aurait rien à voir avec le motif brodé ultérieurement.

in L’Emanticipation daté du 21 mars 2028

La toile, c’est le rapport à la trame (de l’histoire), qui suggère une succession de couches. C’est également le support autorisant la mobilité de la peinture, à mi-chemin entre les fresques, qui restaient à demeure, et les tapisseries, qui furent les premières œuvres picturales itinérantes.

Certains tableaux sont la superposition de plusieurs œuvres dont nous ne pouvions admirer, jusqu’à récemment, que la couche la plus récente, la ou les couche(s) antérieure(s) ayant été recouverte(s). Ceux-là abritent donc des images fantôme, invisibles mais bien présentes.

Les nouvelles technologies permettent paradoxalement de dévoiler ces couches antérieures, et autorisent la cohabitation entre les différentes temporalités.

A partir de ce constat, les Forêts proposent une réflexion sur l’évolution des œuvres d’art dans le temps, dans leur forme et leur réception.

Elles représentent l’écrasement, la superposition et la révélation de trois états de toiles fictives :

• la première couche, qui apparaît seulement en partie (en bleu – «blueprint»), figurerait une toile vue aux rayons x ;
• la deuxième couche est constituée d’une tapisserie en « verdure » d’Aubusson du XVIIIe qui aurait été tissée sur la toile peinte ;
• la troisième couche est celle, contemporaine, qui après gommage numérique, révélerait en partie la couche primitive et la ferait cohabiter avec la deuxième couche, créant une tierce image picturale, à mi-chemin entre présence et absence.

Ainsi le temps présent est-il figuré par la matérialisation concrète d’une coexistence a priori impossible.

Sculpture conjuguant les trois sens de l’homonymie du mot « Chute » : constituée de petites bandes de films (composées de saisies d’écran réalisées depuis Youtube), illustrant des chutes d’individus ou d’éléments (météorite, éclair, etc…), se présentant comme une source ou chute d’eau….

Stromboli

– Video, 2 min 30, en boucle, muet – 2006.

sous titre

Sabemos de Aristarque

Exhibition view (Point I, II, III, IV, V) – 2016-2017.

Le LHC (Grand Collisionneurs de Hadrons) du CERN, le plus grand accélérateur de particules au monde, emprunte sous-terre un parcours circulaire de 10 km de diamètre, à proximité de Genève, à cheval entre la Suisse et la France.

Ce complexe a été choisi comme point de départ d’une œuvre de réflexion sur le temps et l’espace.

Une tablette d’argile a été créée, représentant le parcours du LHC sur lequel ont été placés 12 points formant un dodécagone. Cette tablette a ensuite été brisée en 12 morceaux (des symboloï), de manière à ce que sur chaque morceau figure un point du dodécagone.

Un voyage a été entrepris pour aller sur les sites et retrouver les paysages correspondant aux coordonnées des 12 points du dodécagone. Pour chacun des 12 points, une photographie a été réalisée et le symbolon correspondant enfoui in situ.

Les douze œuvres composant «Sabemos de Aristarque» sont ces «impressions du soleil» sur lesquelles à chaque fois ont été peints le dodécagone et le symbolon correspondant.

Si ces œuvres sont irrémédiablement liées à leurs sites et à leurs symboloï, elles sont également liées les unes aux autres : elles composent une chaîne dans le temps et dans l’espace.

Le site internet www.sabemosdearistarque.com a été créé pour suivre leurs déplacements, ainsi que les nouvelles formes qu'elles constitueront, une fois reliées, au fil du temps.

Sabemos de Aristarque co-existe donc dans trois dimensions parallèles : les lieux des points et des prises de vues ; les œuvres qui en ont été produites et qui sont destinées à voyager ; et le site internet, mémoire de l'origine et des déplacements. Il peut apparaître comme une constellation en perpétuel mouvement.

Cette œuvre est intitulée « Sabemos de Aristarque » en l’honneur d’Aristarque de Samos, mathématicien et astronome grec du IIIème siècle avant JC, qui a déduit, sur la base de la géométrie et de ses observations, les distances entre la Terre, la Lune et le Soleil, ainsi que l’héliocentrisme.

Sabemos de Aristarque

Point VIII, Photographic process, oil painting on paper on canvas, 40 cm x 50 cm – 2016-2017.

Sabemos de Aristarque

Point X, Photographic process, oil painting on paper on canvas, 40 cm x 50 cm – 2016-2017.

Sabemos de Aristarque

Capture d’écran du site www.sabemosdearistarque.com

En savoir plus :

Le mot latin Introrsum, désignant en botanique un «pistile tourné vers l’intérieur», est ici employé pour ce qu’il pourrait évoquer : intro-sum, signifiant «je suis à l’intérieur».

Si l’aspect miroitant de l’intérieur du masque pourrait évoquer le mythe de Narcisse, l’effet produit est ici plus complexe. En effet, le masque Introrsum, avec ses concavités, déforme le visage de celui qui voudrait le revêtir.

Le reflet n’est fidèle que l’instant précédant le contact du visage avec le masque ; après, le reflet s’altère encore, car si le visage pourrait en effet être visible dans le miroir mural (non déformant) fixé en face d’Introrsum, le masque dont il est affublé l’altère désormais également.

Ainsi, «Je suis à l’intérieur» se présente comme une expérience de Temps : le passé est déformé, le futur est caché ; seul le présent du «Je» existe, dans son extrême fugacité.